Мебель – домашняя архитектура.
Архитектура – мебель улиц и площадей.
Общее у них – изначальная и главенствующая утилитарность и той, и другой есть правило, закон. Недаром еще у Витрувия, вновь открытого и усвоенного ренессансными архитекторами в их тяге к античной классике, на первом месте в его формуле Архитектуры сказано: Прочность. А уж потом Польза, и только после – Красота.
«Haec autem ita fieri debent, ut habeatur ratio firmitatis, utilitatis, venustatis».
Marco Vitruvio Pollione, De Architectura, Книга I, 2
«Во всем том, что мы должны делать, нужно стремиться к прочности, пользе и красоте».
Очевидна и неудивительна связь того, что снаружи с тем, что внутри. Средневековая и готическая мебель основательна и тяжеловесна, как и архитектура: из цельного деревянного массива, без гвоздей – на колышках или в “ласточкин хвост” (с итальянского) – в избяной архитектуре это соединение называется “в шип” или “в клин”. И никаких лаков или клеев – до них еще как минимум два столетия. Да и ассортимент узкий, утилитарный: шкафы еще не изобретены – сундуки скриньи, они же часто лавки – кассапанки, на них и посидеть можно, и поспать. На все случаи жизни.
А еще, кроме приспособлений для сидения (стульев), еды (столов) и сна (кровати), была такая многофункциональная штука как cassone – буквально большой ящик. Именно к этому предмету стало впервые применяться понятие mobile, с итальянского переносной и мебель. И не спроста – ведь он хранил нехитрый скарб своих хозяев в пути и был незаменим при необходимости быстрого бегства: тут держали белье вперемешку с книгами, рукописями, долговыми обязательствами, пересыпанными ароматическими травами – от моли и шашели. От этой изначальной мобильной функции и родилось название мебель.
Так путешествовал в XIV веке по всей Европе непоседа Петрарка, оставивший после себя из мебели лишь такую коробку-библиотеку – очень конструктивистскую, если присмотреться, да походное раскладное из кипариса кресло со скромной резьбой, в котором по легенде он и почил за чтением Вергилия на рассвете 19 июля 1374 года.
Постепенно, начиная с Италии, а именно Флоренции, Ренессанс мощно вытесняет готический стиль. Этот новый вкус привлекает самых известных художников, которые украшают полы, потолки, мебель и столовое серебро с керамикой в замках и дворцах правителей и знати. На мебельное искусство по-прежнему влияет архитектура, диктуя гармонию пропорций: креденсы приобретают вид маленьких киосков, увенчанных фронтонами и нишами, как мини-архитектура.
А лавки-кассапанки превращаются в статусный предмет интерьера: их расписывают самые знаменитые живописцы, от Микеланджело до Поллайоло, Боттиччелли и Липпи, Гирландайо и Учелло, их передают в наследство, ими хвастают. В городских ратушах они использовались для хранения документов, печатей, знаков государственной власти, а при церквях для храмовой утвари, необходимой для проведения литургии. Среди всех этих многочисленных типологий, широко распространенных в эпоху Возрождения, особое место все же занимал cassone nuziale, или свадебный сундук. Он был сделан из ореха с внутренней отделкой из дорогой ткани или кожи, а его длина обычно варьировалась от 160 до 180 см, так что длинные тяжелые платья и юбки о моде того времени можно было класть, не сгибая. Дотянуться до дна было относительно легко – высота кассоне варьировалась от 40 до 50 сантиметров.
Одну из самых знаменитых росписей создал в 1483 году Сандро Боттичелли для свадебного сундука — это серия из четырех панно, иллюстрирующих столько же эпизодов “Декамерона” Боккаччо, вероятно по заказу Лоренцо де Медичи, потом они были подарены Джаннозо Пуччи по случаю его брака с Лукрецией Бини в том же году.
Художественное оформление такого свадебного сундука-кассоне было гениальным и виртуозным по исполнению. Сюжеты “повествования”, написанные по бокам, должны были развлекать и воспитывать молодых супругов. Темы могли быть: портреты мужа и жены, новеллы из Декамерона, эпизоды любви и добродетельной жизни, мифологические аллегории, свадебные шествия, сцены реальной и идеальной жизни. И все это в обрамлении цветных рельефов из материала на основе гипса pastiglia (типа левкаса) или архитектурных фризов.
К концу XIV — началу XV века относится превращение cassone – в cassettone, непосредственный предтеча комода как одного из первых “закрытых предметов мебели”, завершенных в своей архитектурной форме. От кассоне он унаследовал функцию контейнера для белья и туалетных принадлежностей. Это уже не тяжелый монументальный дом в доме, а нечто напоминающее сегодняшний облик комода и сегодняшнее его применение, обычно с двумя или тремя выдвижными ящиками, прямоугольный или трапециевидный, а в венецианской традиции – с выпуклым закругленным фасадом.
***
После Ренессанса был Маньеризм, который больше коснулся живописи. За ним Барокко – по сути, первый из архитектурных стилей, который обособил мебель как нечто, заслуживающее более пристального отдельного внимания. И не только столяров или мастеров-краснодеревщиков, но и архитекторов. Интересно назвал барокко главный редактор журнала AD Italia архитектор Ettore Mocchetti в одном своем выступлении: прото-дизайном сегодняшнего дня.
Само слово barocco как считается, испанского происхождения – этим термином обозначали набор разнокалиберных жемчужин – потом по аналогии понятие было приложено ко всем тем странностям и экстравагантностям, которые и охарактеризовали вновь родившийся стиль. Его родиной, естественно, была Испания – отсюда началось его победное шествие по всем европейским дворам в XVII-XVIII веках, особенно повлияв на французскую школу.
Интерьер, активно обживаемый в эту эпоху, точно так же перенасыщается экзальтированным и экстравагантным духом, как и фасады с планами. Раковины и завитки, скульптура и листья аканта, витиеватость и многословность – все это и внутри, в интерьере, и даже в большей, чем снаружи мере. Забыты узкие окна-бойницы, холодные мрачные залы замка castello – все к свету, все напоказ – золото и драгоценности, парча и глубокие декольте. Из аскетичного старикашки Витрувия напрочь выбивают понятие пользы, utilitatis, если это не польза гедонистского толка – наслаждения жизнью. Мебель в это время становиться скорее объектом для изысков ювелиров, нежели краснодеревщиков – ее богато инкрустируют драгоценными и полудрагоценными камнями, слоновой костью, черепахой, мрамором, золотят и серебрят, расписывают – пудрят и румянят не меньше каких-нибудь придворных кокеток при дворе короля Солнце – женолюба Людовика XIV.
Впервые начинают использовать и дорогие фанеровки по цельнодеревянной подоснове из более дешевых пород – появившиеся от популярной техники интарсии. Количество оттенков и тональностей дерева позволяет умельцам создавать просто картины на фасадах мебельных шедевров. Появляется и мебель не только полезная (мебель-контейнер или мебель-кровать/стол) – но и, например, почти бессмысленная консоль, маленький декоративный приставной к стене столик, как бы сочленяющий обильные декоры стен с обстановкой. Нефункционален, но красив. Именно в барокко впервые были применены клеи для сборки мебели – продиктовало эту необходимость собственно использование разных пород дерева и разнородных декоративных материалов. Любимые породы дерева барокко – черешня, красное и эбеновое дерево, не боящийся древоточцев эвкалипт.
Возвращаясь к комоду cassettone, забавно, что для влиятельных богачей, которые одевались роскошно и изысканно, но чаще всего имели весьма сомнительное представление о личной гигиене, краснодеревщиками были специально созданы комоды с семью ящиками – септет, или settimino в итальянской традиции. Такая “неделька” лучше подходила для хранения многочисленного белья и элементов нарядов, которое нужно было носить ежедневно. Просто в тот время было широко распространено мнение, что частая смена рубашек и нижнего белья уже была вполне достаточной мерой гигиены.
Параллельный по времени стиль Людовика XIV, господствующий во Франции и повлиявший на мебельные вкусы всей Европы, прибавил к списку предметов обстановки трюмо trumeau – креденс или стол-бюро с “надставкой” и полками – имевший ошеломляющий успех. Еще одной новинкой “от Людовика” стало широкое применение бронзовых позолоченных накладок – как в качестве декора, так и для усиления углов и кромок. Значительно более выдающуюся роль начинают играть ручки – бронзовые и латунные, они увеличиваются в размере и становятся элементами декора в виде листьев или морских раковин. Законодателем мебельной моды неизменно остается в это время Франция с ее мощной, работающей на двор Manifattura Reale della Corona.
***
Как в истории часто бывает, на смену периоду преувеличений в начале XVIII века приходит период большей трезвости и воздержания — так и в мебельных ее извивах за барокко последовал короткий этап Регентства между смертью короля Солнце и воцарением Людовика XV с его более сдержанным стилем, с упором на удобство, простоту и элегантность.
Стиль Рококо (в Италии известный еще как Барокетто, барокизирующий, а в Англии названный Chippendale — по имени краснодеревщика Томаса Чиппендейла) – он привнес большую легкость и кривизну в линии там, где они еще оставались прямыми – завились ножки столов и бюро, консолей и диванов. Он казался ответом на помпезный и перенасыщенный стиль Версаля Людовика XIV, а само слово происходит от французского rocaille, которое означало покрытое ракушками произведение-скульптуру при создании искусственных гротов. Главной особенностью рококо можно назвать сочетание архитектуры, мебели и живописи в один цельный и элегантный ансамбль, с его завитушками и арабесками, насколько экстравагантными, настолько и роскошными.
В Rococò стены, потолки были украшены изящной лепниной с переплетениями криволинейных рельефных декоров, построенных на линиях «C» и «S», а также на форме раковины и других зооморфных формах. Асимметричный дизайн был правилом. Светлые пастельные тона, слоновая кость и золото были преобладающими цветами, для столешниц использовались полихромные мраморы или поверхности со сложными интарсиями. В обивках использовали ткани как сатин и шелк зеленого, розового цветов и слоновой кости. А еще декораторы в стиле рококо часто применяли зеркала, чтобы усилить ощущение открытого пространства, пронизанного светом.
Очень популярна в этот период окрашенная расписанная мебель, больше всего в Италии – здесь особо славились венецианские и тосканские мастера. Впервые в этот период мебель стали лакировать – гоммалак и другие жидкие лаки используют для усиления декоративных свойств и защиты поверхностей, для проявления красоты текстур дерева. Во Франции вершиной рококо, более грациозного стиля Людовика XV стали великолепные интерьеры завершенного в тот период Версаля – непревзойденные шедевры мастерства краснодеревщиков.
***
Появлению стиля Неоклассика во второй половине XVIII века в немалой степени поспособствовало громкое археологическое открытие – руин Геркуланума и Помпей под Неаполем: работы с 1709 года велись по инициативе австрийского принца д’Эльбоф, позднее с 1738 по 1765 годы на деньги Карла ди Бурбон. Этот кладезь прекрасно сохранившихся домов и предметов интерьера двухтысячелетней давности сильно всколыхнул общественные вкусы, что в первую очередь отразилось в архитектуре, а потом и в мебельных пристрастиях второй половины восемнадцатого века.
Формы становятся более строгими и линеарными, пропорции – более гармоничными. Выпрямляются ножки, а в декоре появляются колонны и капители, и так называемые греки – бегущий геометрический декор, гирлянды и анималистические элементы.
С выходом на социальную сцену среднего класса – и уменьшением размеров комнат – салоны и гостиные становятся местом максимального приложения фантазии мебельщиков. Основным объектом их формотворческих поисков становится в это время мягкая мебель – диваны и кресла. Часто корпусная мебель окрашивается в белый цвет и потом расписывается и золотится – в духе помпеянских росписей, где белые туники на красной подкладке расшитые золотом указывали на высокий социальный ранг тех, кто их носил. Синоним античной классичности и величия.
Дерево с красивым и каким-то южным именем палисандр – самое популярное в этот период, наряду с липой, розовым деревом и орехом. В своей французской версии стиль по имени короля известен как Людовик XVI – с небольшими локальными особенностями и высочайшим расцветом мастерства интарсии. Придворные мастера-краснодеревщики создают на поверхности креденсов, столешниц, кроватных изголовий настоящие картины: пейзажи, пасторали, галантные сцены на классические греко-латинские темы в рамах из гирлянд и фестонов.
Ампир, имперо или эмпайр – это “ответвление” в первую очередь во Франции, от Неоклассики. Стиль начала XIX века (около 1805-1840), однозначно связываемый с именем Наполеона и его завоеваниями в Европе. Мода на ампир буквально разносилась на штыках французских солдат – может, именно поэтому, не задев островную и оставшуюся не оккупированной Британию (где господствовал стиль Regency, или Викторианский) и вытесненная на европейском Севере (Австрия, Германия) стилем Бидермейер после победы антифранцузской коалиции. Для ампира характерна строгая симметрия композиции, прямолинейные очертания и компактный силуэт мебели, широкое применение латунных и бронзовых накладных декоративных деталей, часто с императорской или военной символикой.
Это и буква “N”, и дельфины, львы и сфинксы, пушки и скрещенные сабли, целые фигурные композиции с имперским орлом, Фортуной с завязанными глазами или с крылатой богиней победы Викторией, лавровые венки и лебедь, символ благородства и чистоты. И конечно, изображения самого Наполеона Бонапарта.
Особую популярность получают в этот период настольные, каминные, напольные часы, выполненные лучшими часовыми мастерами и ювелирами, с использованием бронзового литья с позолотой, натурального камня, инкрустаций.
***
Возвращаясь на Север Европы, интересно рассмотреть этимологию слова Biedermeier, давшего название стилю, охватывающему период около 1815-1840 годов. Этим именем называли карикатурный сборный персонаж мелкого буржуа, разочарованного в результатах Французской революции и раздосадованного попранием своих демократических порывов. В буквальном смысле “господин Никто”, безликий мещанин. Его прототипом стал вымышленный литературный персонаж Готлиб Бидермейер из пародийных стихов середины XIX столетия.
Но странным образом, стиль, желавший остаться предельно анонимным, стал знаменит именно благодаря своей функциональности, практичности и не лишенной благородства простоте. Гладкие поверхности почти без украшений и декоративных накладок, строгие линии и четкая геометрия оставляли у современников ощущение намеренной грубости и недоработанности. А по прошествии времени стало ясно, что именно аскетический бидермейер стал шагом навстречу мебельным вкусам ХХ века.
***
Появившийся в 30-е годы девятнадцатого века в раздробленной и колонизированной австрийцами Италии стиль получил позднее название Эклектики (или Историзма) – определение, хорошо знакомое веку двадцатому. Его распространение по всей Западной Европе было стремительно и победно: Франция, Германия, Англия, Испания охотно “копировали” и соединяли в одной обстановке элементы готики и неоклассики, Бидермаера и всех Людовиков вместе взятых. Входят в моду огромные зеркала и оригинальный S-образный диванчик confident с противоположно развернутыми сидениями.
Именно в это время на фоне общего промышленного подъема, особенно в Англии, появляется первая индустриальная – factory-made – то есть серийная мебель. Индустриализация производства, простота поиска сырья даже за тысячи километров, в дальних колониях, позволяют британским производителям мебели экспериментировать с новыми стилистическими решениями, хотя такой поиск полностью опирался на европейские художественные вкусы. Здесь роль первой скрипки история отвела немыслимо продуктивному и универсальному Уильяму Моррису с его зародившимся в 60-е годы XIX века движением “Arts and Crafts”, определившим на десятилетия вкусы в Британии и не только. Именно оно подготовило почву для следующего выдающегося стиля.
***
Из ряда вон вырывается ни на что предшествующее не похожий, не собирающий детали и элементы в прошлом как эклектизм или за ним последовавший в эпоху Наполеона III стиль Второй Ампир (около 1852-1870 гг.) Это родившийся во Франции текучий, болезненно изломанный и манерный Art Nouveau, или в английской версии Liberty. В Германии это Jugendstil, а в Австрии он еще известен как Сецессия (около 1880-1920 гг.). Нам привычней называть его Модерн.
Ближе всего к сути в имени подошли все же итальянцы, назвав его Floreale, то есть растительный стиль – хотя в итальянской литературе чаще все же можно встретить английское название Liberty – по имени ловкого и одаренного британского предпринимателя, торговца тканями, обоями, фарфором, гравюрами и колониальной экзотикой Артура Ласенби Либерти, сумевшего почуять “золотую жилу” в новом прикладном направлении. В 1902 году его компания Liberty & Co. принимала участие в Международной выставке современного декоративного искусства в Турине – именно с того момента имя марки стало в Италии синонимом нового направления в прикладном искусстве и ремеслах, ставшего здесь популярным как Liberty или Arte floreale.
Утвержденный в графике Обри Бердслеем, а в архитектуре – Антони Гауди, ар-нуво победно прошествовал по всем возможным сферам приложения творческой мысли – здания, мебель, аксессуары, одежда, живопись, даже музыка и литература. В мебели его особенностью было настойчивое применение декоров от флоры и фауны: листьев, бутонов, цветов, животных и насекомых. Асимметрия объемов, использование в качестве декора эмалей, витражей, инкрустаций из перламутра и прочих известных материалов: черепахи, металла. Излюбленное дерево модерна – орех и черешня, но применяются все известные и привычные, а также досягаемые экзотические породы.
***
Последним классическим стилем в истории мебели считается Art Déco (20-30 годы XX века), как и Art Nouveau появившийся во Франции по окончании первой мировой войны, на закате Belle Époque. Это время регтайма и первого громкого расцвета кино, зарождения первых Maison – модных домов в их современной интерпретации. Может именно поэтому, кроме мебели ар-деко еще значительнее проявился в ювелирном искусстве, создав неподражаемые и до сих пор копируемые образцы.
Это стиль, впервые так активно распространившийся и на Новый Свет . Америка смотрит на Европу как на образец и ориентир своих послевоенных вкусов во всем. И здесь активно выходит на сцену фигура архитектора-проектировщика или дизайнера, не обязательно разбирающегося в технологических деталях мебельного производства, а скорее сравнимого со стилистом моды. Это “идеолог” концепции, лишь время от времени и при необходимости вникающий в создание своего произведения.
В мебели ар-деко прослеживается частичное влияние стилей семнадцатого века. Резьба и разнообразные лакировки становятся отличительными чертами стиля. Наряду с использованием в интарсиях и резьбе сюжетов с хрупкими женскими фигурками, львами в окружении борзых, грациозными дикими животными. Именно Ар-деко стал тем питательным материалом, на котором вырастали все модернистские течения ХХ века. Как бы некоторые из них не провозглашали отречение от вкусов прошлого: от рационализма и футуризма до конструктивизма и постмодерна..
Если говорить о сегодняшнем использовании в интерьере классических стилей, Ар-деко и Ампир остаются, пожалуй, до сих пор самыми любимыми и копируемыми образцами в современном мебельном производстве, называемыми mobile in stile. Онилучше всего адаптируются к современным интерьерам, тяготеющим в классике. А еще актуальным остается ход, когда в современный интерьер внедряется одна-две классические детали, даже из таких “развесистых“ стилей как барокко – они создают акценты и нужные напряжения в помещении, чтобы оно выглядело ярким и запоминающимся. Что говорить? Классика – бессмертна.
В статье использованы материалы Italian Ways, Arte antico Altervista, Antiques magazine, Questioni di Arredamento, Case Museo. Цитата Витрувия по сайту Romano impero.
Фото: ©Anna Kolomiyets, указано по месту и из открытого доступа. Вступительное фото: выставка деревянной миниатюрной мебели “Manualmente Legno. In Miniatura” – Villa Necchi Campiglio, Милан, 2017. Заключительное фото: в саду виллы Necchi Campiglio в Милане, ©Mixer Planet.
Для интересующихся темой: о великом интерпретаторе классических стилей ХХ века итальянском архитекторе Renzo Mongiardino читайте в нашем журнале. О самой известной мебельной выставке в мире Salone del Mobile в Милане читайте тут.
Еще об одном интересном проекте на ту же тему «Before Design: Classic« при выставке Миланский мебельный салон читайте в нашем блоге от 19 мая 2016.
Понравилось, поделитесь
